Mandarina Magazine

Semana 10

Paranoid — 2010-03-08T23:16:00+01:00

He buscado en los mercados de futuros de Editoriales y también en los repositorios públicos, de aquellos que peinábamos en nuestra época ceutí. Como nada de lo encontrado reunía las condiciones necesarias para formar parte de Mandarina Magazine (incluidas las normas ISO 9001 y UNE 139803:2004), he decidido lanzarme yo mismo.

Décima semana de mes, y sucesivas, que así no nos pillamos los dedos. Se ve que los mandarinos tenemos poco que hacer o mucho optimismo porque salvo Conway, que siempre destacó por su prudencia, aquí todo el mundo prometemos demasiado. Al menos yo, y por mi empiezo. Si los astros me son favorables (los de verdad, no los del Madrid), y Layla me echa una mano, ofreceré una entrevista con Niño y Pistola (encantadores ellos, en serio) y algo para frenar la euforia que vivimos (modo irónico on), The Road, versión cine y quizás un poco también versión libro. Paranoid al poder.

Conway, por su parte, acaba de regalarnos su siempre adecuado resumen de la gala de los Oscar. Objetividad y opinión se mezclan en un análisis sesudo, de los que sólo él es capaz de parir, en el que uno de los mayores atractivos era, y es, el tratamiento del galardón a Sandra Bullock. Sin palabras.

Urzainqui sigue haciendo de las suyas e intenta, como de costumbre, evangelizarnos en materia musical desde su retiro tropical. Recemos todos para que nada le impida compartir con nosotros su sapiencia. Una entrevista a Charades y sendos comentarios sobre La Habitación Roja y Tachenko, esas son sus previsiones, los artículos que le elevarán de nuevo al más alto de nuestros altares.

El Abuelo Cascarrabias se encuentra de rodríguez y, por ende, hiperactivo. Su corazón se reparte entre dos Mandarinas, la nuestra (de todos) y la suya, esa de cuatro patas con cierta relación con el nombre de oh! Nuestra guía espiritual. Si el bicho le deja, estará con todos nosotros (vosotros) para contarnos sus impresiones sobre Los Hombres que Miraban Fijamente a las Cabras, Seabear y Food, Inc. Bien. Así me enteraré, sin recurrir a Google, que coños son los dos últimos temas.

Por lo demás, y si no resiste la manifestación de gafapastosos que se coloca bajo su balcón día a día, La Mujer Tirita volverá cual hija pródiga a este su dominio. No lo olvidemos, ella es la que sabe.

Por cierto, una línea más, sólo una, aplausos para Layla, ella también nos iluminará con su arte. Yo la presiono.

Suerte, señores, que la semana es larga.

And the winner is... - Oscar 2010

Conway — 2010-03-08T13:24:00+01:00

Los peores augurios no triunfaron en la noche grande del cine y James Cameron se quedó sin los eunucos dorados más importantes que cada año se entrega la industria de Hollywood. Lo cierto es que, entre tanta medianía como la que figuraba en la lista de candidatas a mejor película, que Avatar se hubiera hecho con el premio gordo no habría sido ninguna tragedia. Pero preferimos que la estatuilla fuese a las manos de su ex por su adrenalítico retrato de la guerra de Iraq.

Con seis Oscar, entre ellos el de mejor película, mejor director y mejor guión original, The Hurt Locker (En tierra hostil) ha despejado todas las dudas para consagrarse como la producción más destacada de los últimos doce meses. Como se han empeñado en mencionar todos los medios, Katrhyn Bigelow ha hecho historia al ser la primera mujer que se hace con el premio a la mejor dirección, algo que Jane Campion o Sofia Coppola únicamente rozaron. La Academia no ha querido que éste fuera el único hito por el que se recordara la edición de 2010 y ha recompensado a una no-actriz con el Oscar a la mejor interpretación femenina. Sandra Bullock, teñida de rubio y presuntamente intensa, ha desplazado a, esta vez sí, actrices como Meryl Streep o Helen Mirren del camino de la gloria. Un auténtico despropósito.

Al menos el de mejor actor no ha ido a las manos de alguno de los hermanos Jonas y sí a Jeff Bridges, por uno de esos papeles que gustan tanto en Hollywood pero que por aquí nos aburren sobremanera. Un premio cantado, como el de los secundarios, que tenían dueños desde hace varios meses. En especial el del extraordinario Christoph Waltz por su carismático cazajudíos de Malditos bastardos, el único y escaso reconocimiento para la gran, aunque no redonda, cinta de Tarantino. En cuanto a Mo\'Nique, el ogro de ese pasote de dramatismo bautizado como Precious, pues muy bien, aunque su actuación, más que fascinar, repele durante casi todo el metraje.

Más cosas. Pixar ha vuelto a engañar al respetable con su dosis anual de animación apta para todas las edades y ha sumado dos estatuillas más a su ya larga colección gracias a Up. De cualquier modo, a mí ni siquiera su brillantísimo arranque consiguió cautivarme más que otra de las nominadas en su categoría, Fantastic Mr. Fox, de la que hablaremos en breve.

Y un último apunte. El aplauso para Juan José Campanella por su premio a la mejor producción en habla no inglesa por una película prácticamente perfecta como El secreto de sus ojos. Uno de esos extraños casos en los que se juntan una historia atractiva y magníficamente bien narrada y unos actores perfectos en sus papeles con las dosis justas de emoción y reflexión de las grandes películas. La cinta se ha impuesto a, al menos, otros dos enormes largometrajes, La cinta blanca y Un profeta. Curioso, por cierto, que cualquiera de esos tres títulos sea superior a todos y cada uno de los diez trabajos que luchaban por el Oscar a la mejor película. Hollywood debería hacérselo mirar.

Entrevista con Charades

Urzainqui — 2010-03-04T23:35:00+01:00

Mucho se puede decir sobre Charades, parte intentamos plasmarlo en la reseña sobre su nuevo trabajo Revolución Solar, que hacen discos tan elegantes como fáciles de escuchar, que su pop rock bebe de los clásicos o que hacen que parezca tan sencillo hacer música, en definitiva, que es una de las bandas con un más que brillante presente. Gracias a BCore tenemos la posibilidad de entrevistarlos y a fé que resulta una conversación muy entretenida que aqui os presentamos. Que la disfrutéis.

Tras unos años, ¿habéis sentido que había hambre de nuevo material? ¿Cómo lleváis el tema de la promoción?

Toño: Hemos sentido una acogida muy calurosa por parte de todo el mundo; estamos haciendo muchas entrevistas y los comentarios están siendo muy positivos. Nos alegra y es muy bonito. Al mismo tiempo, la promoción es la parte que peor se nos da, sobre todo hacernos fotos: nos ponemos super tensos. Pero bueno, es genial tener la oportunidad de expresarnos y llegar a más gente.

Revolución Solar es vuestro nuevo trabajo, ¿qué marca este disco en vuestra carrera? ¿Es, como se suele decir, vuestro mejor trabajo hasta la fecha?

Isa: Todos los grupos solemos pensar que el último disco que hemos hecho es el mejor. La verdad es que ya estoy pensando en el siguiente que hagamos… Cuando volvamos de Austin me gustaría empezar a hacer canciones nuevas. Creo que para mi el mejor es el que está por venir. ¡Siempre!

Coki: Respecto a nuestra trayectoria no sé si este disco marca algo… no pensamos nunca en esos términos. Simplemente seguimos nuestro camino, tratando de hacer las cosas lo mejor que sabemos y como las sentimos.

Sin incidir en el cambio del idioma en vuestras letras, ¿sentís que os resulta más cómodo el expresaros en castellano o cada canción es un mundo?

Isa: Cuando cambiamos al castellano pensaba que cada canción o disco es un mundo y veía posible la vuelta al inglés. Ahora mismo no me apetece nada volver al inglés: me sentiría un poco rara y ajena…. Aunque nunca digas de esta agua no beberé. No sé, la idea es ahondar en nuestra propia identidad. Cuanto más local y honesto es algo, más universal se vuelve, ¿no?

No me resisto a preguntarlo: Charades, ¿porqué de vuestro nombre?

Antía: Significa “acertijos, adivinanzas” y también es una peli de Stanley Donen que mola un montón.

Aquel que espere que Revolución Solar sea la continuación directa/calco de En ningún lugar se va a llevar una decepción, ¿ganas de evolucionar, huir de clichés o simplemente surgió así?

Coki: Creo que somos un grupo que nunca va a hacer lo mismo porque es mucho más divertido para nosotros probar cosas nuevas y ver qué pasa. Eso tiene sus pros y sus contras pero es como lo hemos sentido hasta ahora. Tú no eres la misma persona de un año para otro, o te pasan cosas nuevas que te hacen ver la vida de otra manera; eso se extrapola a las canciones.

¿Cómo surge la dinámica de trabajo/ creación?

Toño: Isa lleva la melodía y la base de acordes y las arreglamos entre todos, dándole un aire u otro. Todos tenemos más o menos claro lo que queremos, lo que nos gusta, hay bastante química… así que suele salir muy natural.

En vuestro anterior trabajo cantabais a Hanna Arendt, en este toca Nerium Oleander, ¿gusto por los títulos rebuscados o ganas de aunar la filosofía con la botánica?

Isa: (risas) No, es que Coki la teclista es Ingeniero Forestal Paisajista y yo estudié Humanidades… de ahí la mezcolanza. Son títulos de cosas cercanas o cosas que nos gustan.

Continuáis con el mismo productor desde vuestro debut, Santi Garcia, ¿es el “miembro oculto” de la banda?

Coki: El papel de Santi es importantísimo ya que siempre ha hecho que nuestros discos suenen genial, materializando la producción que nosotros teníamos en la cabeza. Nos da mucha seguridad. Asimismo, nos parece muy importante la idea de crecer juntos, él como productor y nosotros como grupo. Cada vez que volvemos al estudio es una emoción muy grande para todos. Pero la verdad es hay varios miembros ocultos más. Además de Santi, están también Eric y Jose, nuestro tourmanager y técnico de sonido respetivamente. Vamos juntos a todas partes.

Guille:¡Y Otro ser excepcional llamado Vic! Hermano de Santi, trabajan mano a mano los dos en Ultramarinos Costa Brava.

Sería muy fácil encasillaros junto a otros grupos de chicas (en cuanto a voz solista se refiere), sin embargo quien observe con profundidad vuestra música se dará cuenta de muchos matices escondidos a la vista.

Isa: Nos gustaría que se nos comparase con otros grupos por su música, no por su condición sexual. Todas las chicas no hacemos la misma música, no entendemos la clasificación “grupo de chicas”, eso no es un genero musical ni nada parecido: ¿Acaso L7 y las Ronettes suenan igual? La verdad es que ocurre cada vez menos y la gente presta más atención a las canciones. Además, nunca hemos utilizado nuestra sexualidad como reclamo ni hemos dado bombo al hecho de que haya mayoría femenina. Hay tres chicas en el grupo y somos felices siéndolo pero este grupo va de hacer canciones y expresarnos a través de la música. Además, en este grupo hay DOS chicos más.

Tenéis la cualidad de hablar de temas como las drogas y el alcohol y seguir sonando sofisticados y elegantes, ¿todo depende de según cómo se diga?

Guille: No, en multitud de ocasiones no es válido el "depende cómo se diga". Hay cosas que las digas como las digas son terribles, o maravillosas. No sé, para nosotros, éste es un tema normal como muchos otros, no queremos ni exagerarlo ni exaltarlo ni hacer apología... no sé. Creo que " la elegancia" no reside en el tema de conversación sino en el individuo.

Isa: A mi hablar de drogas me parece aburrido y cutre. Obviamente si hablas como Luis Racionero, es estupendo y muy interesante. Pero no nos gusta, a estas alturas de la película, exaltar las drogas o hacer apología; es irresponsable y un cliché.

Si hemos hablado de ellas ha sido de manera críptica y lo hemos hecho porque formaban parte de la realidad sobre la que estábamos cantando. Pero vamos, que lo hacemos tan críptico que casi nadie sabe que hablamos de esas cosas.

Un pequeño juego, ¿qué es lo primero que os viene a la mente de estos conceptos?:

* Charades AMIGOS * Música VIDA * POP MELODÍA * Comercialidad PROS Y CONTRAS * Independencia LIBERTAD * Crisis DOLOR Y MIEDO * PSOE DESASTRE * PP LAMENTABLE * FIB MASA DE GENTE

¿En este disco prevalecen las melodías sobre las letras y los juegos vocales son protagonistas?

Antía: Más bien creo que están compensados por igual. Hay tanta letra como juegos vocales… Nos apetecía mucho crear estructuras de voz; nos parecía que las capas de coros “onomatopéyicos” materializaban mucho mejor que las palabras la sensación de explosión, de catársis o de emoción. Son mucho más viscerales que las palabras, como aullidos o suspiros.

Por favor, contadnos alguna anécdota surgida en la grabación del álbum

Toño: Pues aunque acabamos de decir que no nos gusta hablar de drogas... ¡¡esta será la última vez!! (risas) Durante la grabación nos fumamos una bolsa de Mercadona llena de marihuana… Es decir, ¡fue una anécdota contínua! Un día descubrimos un parque temático sobre gnomos y flipamos. Nos compramos gorros rojos de gnomos y todo! (risas)

Guille: Yo si fumo vomito… ¡mejor en un yogur de Soja natural jaja.!

Yo recomiendo un disco nuevo, se llama Revolución Solar de Charades, ¿Cuál me podríais recomendar vosotros?

Isa: Te recomiendo tres grupos madrileños que han surgido recientemente y son increíbles: Prisma en Llamas, One Mountain y Abominable Futuro. Los tres son super personales y sus canciones son alucinantes.

¿ Vuestras próximas citas y/o apariciones festivaleras? Al respecto de esto último coincidíais en opinión con mi gurú, en cuanto a no gustaros demasiado, ¿seguís pensando igual?

Antía: Si, la verdad es que tanto para tocar como asistente, los festivales son un poco incómodos. Son demasiados grupos concentrados en muy poco tiempo, no da tiempo a asimilar nada. Suelen sonar fatal, los grupos no tienen el mismo feeling que una sala, hay demasiada gente... Pero tabién es una oportunidad para ver bandas que si no, jamás podríamos ver. Nosotros vamos a tocar en el SXSW de Austin que es el festi más grande de música del mundo… a ver cómo es! También tocaremos en el Southpop, en el Plastidepop… intentaremos que salga lo mejor posible.

Por último agradeceros vuestra atención y tan sólo me despido pidiéndoos unas palabras para los lectores de Mandarina Magazine.

Todos: Muchas gracias a todos y REVOLUCIÓN SOLAAAARR!!!! Y enhorabuena por vuestra revista.

Lo dicho, muchas gracias.

Urzainqui

Charades - Revoluci�n Solar

Urzainqui — 2010-03-03T17:34:00+01:00

Charades regresan a la actualidad anunciando la Revolución Solar, un nuevo trabajo que les consolida como una de las mejores realidades del pop cantado en castellano del momento. Y la semana que viene, una estupenda entrevista con ellos.

Este comienzo de año está sembrado de atractivos lanzamientos en cuanto al pop colorista se refiere. Si a la vuelta de la esquina nos espera la reseña de los nuevos discos de Tachenko y de La Habitación Roja, ahora nos ocupa lo nuevo de Charades, banda que cambió el pico por la pala y acertadamente pasó al castellano (su debut lo hicieron cantado en la lengua de Shakespeare) no para vender más discos, si no para encontrar su hábitat natural en el cual mejor expresarse.

Si ya en En ningún lugar demostraron su buen hacer con canciones tan bonitas como "La carta", en Revolución Solar Charades demuestran su madurez musical encontrando un estilo propio e inconfundible, buena prueba de ello son canciones como "Nerium Oleander" o la premonitoria "A la Tercera Va la Vencida" en las que el pop rock marca de la casa brilla con luz propia.

Revolución Solar es un bello disco cantado en femenino, dulce, frágil como sólo puede serlo el amor o su falta, al cual cantan en la mayoría de sus canciones. Producido por su habitual Santi Garcia, tripiten colaboración, las letras pierden protagonismo en favor de melodías pegadizas y juegos vocales en los que se han convertido en unos maestros. Recomendado para amantes del indie pop y especialmente para fans de bandas como La buena vida o Nosoträsh.

A destacar piezas como la rockera "Aguaceros", la pista que da nombre al disco y "En las Batallas", grandes canciones de fácil pegada que cuajan a la primera. Revolución Solar gana con cada escucha y se muestra un disco engañosamente simple que gana complejidad cuanto más se oye.

Lo mejor, que no nos falten nunca bandas como Charades. El pero, que pase inadvertido en este desembarco musical que vivimos hoy en día en el que nos llegan cinco o seis discos de una tacada cada semana.

Una banda muy a tener en cuenta. Un notable alto hecho galleta de diez canciones.

www.bcoredisc.com

www.myspace.com/lascharades

Valladolindie 2010

Paranoid — 2010-03-02T00:11:00+01:00

Valladolindie, “el festival más largo del mundo”, está a punto de comenzar su edición de 2010, o lo que es lo mismo, de cumplir su decimoquinto cumpleaños. Se dice pronto, quince años acercando a Valladolid lo más destacado de la escena musical alternativa. El programa de este año no deja lugar a dudas, esta cita goza de muy buena salud.

La principal novedad de la presente edición de Valladolindie no está en las sedes ni tampoco alude a los grupos participantes. La nota diferenciadora del festival, en su versión 2010, se refiere a su tamaño compacto concentrado alrededor de una intensa actividad central. Durante el mes de marzo que acabamos de estrenar, algunas bandas ya clásicas en el escaparate musical alternarán con otras en busca de un hueco al hilo de un programa en ocasiones diario. Los puntos discordantes, el comienzo y el final de la programación: todo empezó con Piano Magic el pasado 23 de febrero. Todo terminará con un auténtico plato fuerte, nada menos que Sex Museum acompañados por los vallisoletanos Arizona Baby. Un punto final con clase para un cumpleaños como este.

Programa:

04/03/2010

La Habitación Roja

Sala Mambo.

12€ anticipada (venta en La Luna, Café Teatro y La Piedra) /15€ taquilla

05/03/2010

Miss Caffeina

Sala Bagur.

10€ anticipada (venta en La Luna, Café Teatro y La Piedra) /12€ taquilla

09/03/2010

Big Boss Man [concierto organizado en colaboración con Reducto Sónico]

Sala Mambo.

Precio único 6€

10/03/2010

Idealipsticks

Auditorio del Espacio Joven.

Precio único 6€ en taquilla

11/03/2010

Maga

Sala Mambo.

10€ anticipada (venta en La Luna, Café Teatro y La Piedra) /12€ taquilla

12/03/2010

Sidonie

Auditorio de la Feria de muestras de Valladolid.

Precio único 14€ (a la venta en Ticketmaster)

13/03/2010

Violadores del Verso

Polideportivo Canterac. 21:30

Precio único 14€ (a la venta en Ticketmaster)

18/03/2010

Dorian [concierto en colaboración con la Universidad de Valladolid]

Sala Mambo.

12€ anticipada (venta en La Luna, Café Teatro y La Piedra) /15€ taquilla [descuento con tarjeta UVA por confirmar]

05/06/2010

Sex Museum, Arizona Baby & friends

Museo Patio Herreriano. 20:30

Precio 10€

Up in the air

abuelo — 2010-02-26T22:19:00+01:00

Venga, voy a bajar el listón que hace mucho tiempo que yo no vengo por estos fueros. Ya sabéis, lo típico. Y eso que cuando ví la nueva del director de Juno hace más de un mes lo primero que pensé es "esto lo tengo que contar yo en Mondarine", pero claro, las palabras, como las promesas que cantara Iván Ferreiro, se las lleva el viento.

Quizás exceptuando The hurt locker, por preferencias y afinidades Up in the air sería mi favorita para los oscar. Porque igual que el año pasado ocurrió con el guión de Diablo Cody, es el único golpe de aire fresco que uno se encuentra entre tanto formalismo. Porque por mucho que nos vendan que An education es una gran película, no deja de ser cine clasicazo hecho en 2009. Vamos, claro, lo que encanta a los académicos.

Pero en cambio en Up in the air, independientemente de que caiga en ciertos errores, en sumirse en la asunción de ciertos cánones o incluso tenga un final previsible, da gusto verla y disfrutas de ella desde el primer momento, no solo por el dinamismo de la narración de los primeros diez minutos, que te pone rapidamente al día, sin andarse con circunloquios, sino como con la cercanía del mensaje, tan contemporáneo, tan crudo y directo como melancólico.

George Clooney, para mí uno de los mejores actores de la actualidad, a altura de cualquiera de los clásicos que han quedado para la historia, que lo mismo te marca un Syriana que te dirige un Buenas noches y buena suerte, lo borda en su papel de Ryan Bingham, casi hecho a su medida y semejanza: empleado de una empresa que podría simbolizar la antítesis de una de recursos humanos, su trabajo se limita a, en nombre de sus clientes, despedir a aquellos que en estos tiempos de crisis sobran. Nos encontramos así ante un protagonista principal complemente desarraigado, materialista y minimalista a partes iguales, sin aspiraciones más allá de, hete aquí el hito, conseguir diez millones de millas voladas como pasajero frecuente de una aerolinea y que pongan su nombre a un avión. Ese es su fin último.

Atrás por inútiles quedan las relaciones sociales, los compromisos, todo es prescindible, dado que al final cualquier vínculo supone una obligación. Y nuestro protagonista huye de las obligaciones. Pero no de una manera egoísta, entrando en ellas y después huyendo despavorido. No. Lo hace con la mayor de las lógicas y argumentando a cualquiera que intente convencerlo de lo contrario, como podría hacerlo su compañera de trabajo Anna Kendrick, recién llegada al puesto y que aún no se ha amoldado a esa frialdad con que Bingham cubre todo lo que le rodea.

Así, a simple vista, nos encontramos como he dicho con una película contemporánea, que toca muy de cerca, y muy desde el punto de vista sentimental, pero sin caer en maniqueismos, esta crisis económica que está afectando a todo y todos. Lo malo es cuando Jason Reitman decide meter moralina y toda la idiosincrasia de cada personaje cae por el retrete en un final muy previsible a tenor de los acontecimientos, que deja a uno con un extraño sabor de boca.

Pero pese a ello, merece sin duda la pena. Aparte de tener una banda sonora deliciosa y una Vera Farmiga guapísima.

El mano a mano de Benjam�n Prado con Joaqu�n Sabina

Colaborador — 2010-02-25T22:16:00+01:00

Layla

Es difícil describir cualquier proceso creativo. ¿Cómo se piensa una canción? ¿Cómo se elabora un disco? Benjamín Prado habla en Romper una Canción sobre su experiencia escribiendo mano a mano con Joaquín Sabina las canciones de “Vinagre y Rosas”.

Todo comenzó una madrugada de borrachera, cuando los dos amigos, ebrios de creatividad, alumbraron “Parte meteorológico”, como punto y final de una noche divertida. Después de esta experiencia, Sabina pidió a Prado que emprendieran juntos una aventura, escribir un disco a medias. Lo mejor para propiciar la inspiración, una estancia de una semana en Praga. Ciudad de iglesias, limusinas y ostras. Un marco propicio para pensar lo que querían decir e ir poniendo letras al pensamiento.

Un bar, tabaco, alcohol, recuerdos y la creatividad de los dos amigos es suficiente para comenzar una lucha encarnizada por plasmar en el papel en blanco una buena canción. No sirve lo bueno, necesitan lo mejor. Ese es el mensaje principal del libro “Romper una canción”, el esfuerzo, la dedicación, la pasión por encontrar el verso perfecto para un pensamiento concreto. Algo difícil y más, si se hace entre dos.

Llama la atención la cantidad de alcohol y lujo que les hace falta a estos dos para hacer un buen disco. Venga whiskys, venga comidas en buenos restaurantes, venga hoteles de cinco estrellas…y me doy cuenta de que ellos no le dan la mayor importancia. Benjamín Prado pasa por esos lugares como al descuido, sólo para describir una realidad, sólo para que el lector comprenda el contexto del proceso creativo. Está claro que no pretende vanagloriarse de su estatus, que está acostumbrado a vivir así, entre comida y comida de 100 euros.

Un libro escrito con admiración y cariño, desde la perspectiva de la profunda amistad que Prado profesa a Sabina. En el que se recoge cómo se creó el disco, pero también se hace un esbozo de la vida (y la forma de vivirla) de Sabina.

Aparte del contenido que narra, como lectora, me quedo con el continente, el envoltorio precioso hecho de palabras, dibujos y fotografías en que lo presenta Benjamín Prado.

Shutter Island

Conway — 2010-02-25T16:31:00+01:00

El material escrito por Dennis Lehane en la novela Shutter Island ofrecía infinitas posibilidades para adaptarlo al cine con un resultado notable. Bajo la dirección de Martin Scorsese no sólo se alcanza esta calificación, sino que roza, en ocasiones, el listón del sobresaliente.

Y eso sin que el realizador de Taxi Driver haya tenido que emplearse a fondo. Le ha bastado con seguir fielmente las migas de pan narrativas que aparecían en el relato para, poco a poco, sumir al espectador en un estado de confusión similar al que experimenta su protagonista, un agente federal que investiga en una aislada isla la desaparición de una reclusa con problemas mentales. El clima psicótico que impera en esta prisión de máxima seguridad cala en Teddy Daniels, que entra en una espiral desconcertante que le impedirá distinguir realidad de ficción.

Dejando de lado errores de bulto incomprensibles en un realizador de su talla (su estatura no, lo otro), como un imposible travelling durante un fusilamiento en Dachau, Scorsese mantiene el vigor tras la cámara que le ha identificado a lo largo de toda su carrera. No renuncia a sus violentos movimientos de cámara ni a su agresivo montaje, aunque es cierto que en sus últimos trabajos se le adivina una realización más contemporizadora y menos impulsiva de lo habitual en él.

Ambientada en unos paranoicos años cincuenta con el terror rojo flotando en el ambiente, Shutter Island respira cine clásico, adornado con fogonazos en forma de sueños en los que aparecen episodios del pasado de su protagonista y ofrecen pistas de una enmarañada trama que sólo al final quedará perfectamente aclarada.

Para el rol principal Scorsese ha vuelto a confiar en Leonardo DiCaprio, fijo ya en sus últimos trabajos y que, sin ser Robert DeNiro, es mucho mejor actor de lo que muchos están dispuestos a aceptar. Mark Rufallo, algo perdido; Ben Kingsley, solvente, y Michelle Williams, enigmática, fortalecen el reparto.

La película confirma, además, el estado de gracia de un escritor, Lehane, que ha visto cómo en los últimos años otras dos novelas suyas (Mystic River y Adiós pequeña, adiós) servían como base de excelentes películas.

Entrevista con Dr. Sapo

Paranoid — 2010-02-23T22:06:00+01:00

Vuelves de trabajar. Atasco. Mal tiempo, lluvia, frío y un cielo eternamente gris. Es hora de buscar un antídoto, algo que te haga sonreír, evadirte por un rato y hasta reflexionar. Así que piensas, “tengo por aquí a Dr. Sapo”, y entre el nombre, canciones a los Reyes Magos y una historia sobre el caracol más tenaz de la historia, todo pinta de otra manera.

Y como a todo buen lanzamiento, le sigue buena gira. Más abajo las fechas para disfrutar de este No Hay Fronteras en directo.

Te habrán preguntado 100 veces por el nombre. Una más. ¿Por qué lo elegiste?

Jajaja, ¡las que hagan falta! El nombre surgió una noche que no paraba de llover y nos encontramos un sapo en la puerta del local de ensayo. El prefijo Doctor ya lo tenía pensado hace tiempo porque me gusta pensar en la música como una terapia, para desconectar de los problemas y sentirse mejor con uno mismo. Total que esa noche vimos el sapo y todo encajó… Doctor Sapo.

No Hay Fronteras es un tratado del buen rollo en forma de disco. ¿Apuntas a la gente feliz o pretendes evangelizar?

Yo no apunto a nadie, es la forma que tengo de expresarme. Las canciones van dirigidas a todas aquellas personas que son capaces de disfrutar escuchándolas, por supuesto, me encantaría que fuera mucha gente.

¿Eres tan optimista como tu música?

No se hasta que punto mis canciones son optimistas. Sí puedo decir que lo soy por naturaleza y supongo que eso se refleja en las canciones que hago.

Tu tercer álbum ofrece 13 temas sencillos, inmediatos y muy cuidados. ¿Puedes describir tu música para alguien que no te conozca?

Dr. Sapo son canciones hechas con cariño, con matices muy variados que aporta cada miembro de la banda. Mi frase preferida que define este disco y nuestra música es “dedicado al niño que todos llevamos dentro”.

¿Cuáles son tus referentes en este mundo?

Extremoduro, Albert Pla, La Cabra Mecánica, Los Piratas, Joaquín Sabina, Alejandro Sanz… En general todos los artistas nacionales que me transmiten algo con su música han servido de inspiración para mí.

Y del presente, ¿quiénes serían tus mejores compañeros de baile?

Pues muchos de los que he nombrado arriba, pero también artistas como Albertucho, con el cual he compartido escenario en otras ocasiones y para mí, ha sido una experiencia increíble de la que he aprendido mucho.

Si no fueras músico, ¿te ganarías la vida escribiendo cuentos?

Jajaja, ni me planteo no poder hacer música. Pero siempre he tenido en mi cabeza la posibilidad de escribir, quién sabe. Quizás el próximo disco vaya acompañado de algún cuento.

Mirando tus canciones, ¿Rogelio El Caracol es un tipo con coraje o un perfecto temerario?

Rogelio tiene mucho hambre, ve la lechuga al otro lado de la carretera y se marca el objetivo de llegar hasta ella para comérsela. Creo que es un caracol con mucho coraje.

Tu gira de presentación consta de casi 20 directos. ¿Cómo es un concierto de Dr. Sapo? ¿Cómo es su público?

Un concierto de Dr. Sapo es como las canciones: divertido, ingenuo, travieso…

En el escenario tenemos una actitud más rockera que en el disco, nos gusta meter caña y que la gente sienta las canciones con intensidad. El público es muy variado, normalmente hay de todo pero siempre abundan las chicas guapas, jajaja.

¿Cuál es tu fin de gira soñado?

En el Palacio de los Deportes de Madrid, todo el mundo en pelotas.

Fechas previstas:

26 feb. MADRID, FNAC Callao.

27 feb. MADRID, Sala El Sol - 22:30 h

4 mar. VALENCIA, FNAC San Agustín.

5 mar. VALENCIA, Sala El Loco Club - 22:00 h

6 mar. ALBACETE, Sala Heartbreak Hotel - 22:00 h

11 mar. BARCELONA, FNAC Diagonal Mar.

12 mar. BARCELONA, Sala Sidecar - 22:00 h

19 mar. VIGO, La Fábrica de Chocolate - 22:30 h

20 mar. A CORUÑA, FNAC Plaza de Lugo.

25 mar. BILBAO, FNAC Bilbao.

26 mar. ZARAGOZA, FNAC Plaza España.

8 abr. MURCIA, Centro de ocio Zig Zag - 22:00 h

09 abr. GRANADA, Sala Sugarpop - 22:00 h

10 abr. SEVILLA, Sala Malandar - 21:30 h

16 abr. SANTANDER, Sala Heaven - 21:00 h

17 abr. GIJÓN, Sala Savoy - 22:00 h

23 abr. TOLEDO, Círculo del Arte - 22:00 h

Estrella Levante SOS 4.8 2010

Urzainqui — 2010-02-23T15:34:00+01:00

Se acercan las fechas veraniegas y los festivales poco a poco van cerrando sus carteles. Uno de los primeros en adelantarnos su potente oferta es el SOS 4.8 que tendrá lugar los días 30 de abril y 1 de mayo en el Recinto Ferial La Fica en Murcia. Franz Ferdinand, Los Planetas, Madness, The Horrors y muchos más sólo a golpe de ratón.

En este su tercer año podemos ver que estamos ante un festival que ha ido creciendo con paso firme, Chemical Brothers, Kaiser Chiefs, James, Spiritualized, P.J.Harvey y muchos más talentos foráneos han asistido junto a bandas de primer nivel patrio como Fangoria, Klaus & Kinski o Second. En el 2010 destaca una fuerte apuesta por llamar la atención tanto fuera como dentro de nuestras fronteras y un serio espaldarazo a este evento cultural.

En el plano musical destacan:

• Franz Ferdinand, cada concierto suyo es una fiesta, un espectáculo indispensable de esta banda arty. Si ya los has visto querrás volver a verlos, si no has tenido la oportunidad descubrirás que FRANZ FERDINAND RULES!

• Los Planetas, si el año pasado dieron la espantá (fueron sabiamente sustituidos por Mäximo Park), este vienen a sacarse la espinita y presentar su nuevo disco. Además (quizá haya alguna sorpresa) estará la sensación del año pasado, La Bien Querida.

• Madness, banda mítica que poco tiene que demostrar y mucho que enseñar, ritmo a raudales en lo que será un grandes hits en vivo.

• Tindersticks, si las propuestas anteriores pretendían enfervorizar a las masas, su directo es una muestra de intensidad, emoción y recogimiento, una gran banda que además presenta nuevo disco, Falling down a mountain. Junto a ellos, ese pop folk alocado por momentos que hacen los Magic Numbers.

• The Sunday Drivers, la representación española este año está más que bien cubierta, y buena prueba de ello es la presencia de los toledanos. Pop de kilates con un cierto rollo retro y un sonido que parece sacado directamente del estudio de grabación.

• We are Standard, si se cambiaron de nombre (motivos legales habemus) no cambiaron en absoluto de palo. Rock bailable, dos baterías y un sonido atronador dan forma a una macrofiesta brutal.

• Joe Crepúsculo, no sabe estarse quieto, hace muy poco nos ha regalado el que es su mejor trabajo hasta la fecha, Chill Out. Dará la cara frente a una banda que dio el salto al mainstream el año pasado y han partido la pana por donde han pasado, Love of Lesbian.

• The Horrors, el mejor disco del año pasado según NME fue suyo. Darán buena cuenta de Primary Colours, un disco de rock oscuro con influencias de Joy Division realmente adictivo. En directo dicen ser brutales, lo tendremos que comprobar. Como contrapunto, el pop cálido y colorista de Mystery Jets y la calidad contrastada de Nada Surf.

• Cristal Castles y Hot Chip, son este año, junto a Orbital y el clásico Fatboy Slim quienes atraen el mayor interés en el panorama electrónico que tan bien ha estado representado otros años; este no será menos.

• ¿Mas? Sí, Delorean, Dorian, Lidia Damunt, Amable, Anni B Sweet, ... etc. Como véis, un cartel de calidad y plagado de grandes nombres.

En definitiva, un festival que pinta más que bien y que nos preparará el cuerpo para los festivales veraniegos que le siguen, ahora bien, el que da primero, da dos veces. El SOS 4.8 promete dar mucha guerra, y que dure.

www.sos48.com

Primo Levi - Vivir para Contar

Paranoid — 2010-02-19T09:37:00+01:00

Arnold I. Davidson ha compilado una serie de artículos del genial escritor italiano, Primo Levi, con el común denominador de Auschwitz, campo en el que estuvo recluido, y la lucha contra el olvido del fascismo. Vivir para Contar, el título elegido para describir la recopilación, es una expresión del propio escritor y su significado resulta más que revelador. Primo Levi veía la supervivencia, más que como un fin en sí mismo, como una oportunidad para iluminar al mundo, explicar en tono crítico lo que vio, lo que sufrieron millones de personas y lo que motivó aquel comportamiento de los verdugos. Este volumen, desde luego, cumple con sus expectativas.

Vivir para Contar aporta mucho más que una simple descripción, a través de los ojos de Primo Levi, de estos hechos sucedidos durante la II Guerra Mundial. El autor italiano (por entonces joven, partisano y también judío) sugiere una visión más completa, en ocasiones humanista y hasta filosófica, de todo lo que ocurrió. Sus artículos hablan de crueldad y supervivencia pero también de la proyección de estos actos: él no sólo se limitó a superar de manera casi milagrosa su estancia en un campo de exterminio, se preocupó también de absorber todos los detalles para luego dar cuenta de ellos, de las situaciones y sus circunstancias.

El resultado, resumido aquí en algunas píldoras, es a la vez testimonio y exigencia de no obviar el pasado como manera de honrar a los fallecidos y barrera para que ninguna forma de fascismo no vuelva a dominar la realidad.

Desde el punto de vista formal, Vivir para Contar contiene una serie de artículos del autor, algunos de ellos, al parecer, poco conocidos, además de un trabajado prólogo de Arnold I. Davidson, relacionado con Primo Levi, y una parte final en la que varios intelectuales italianos teorizan sobre la “cuestión judía” en toda su profundidad, material procedente de una mesa redonda organizada por una revista.

Un documento interesante y a veces conmovedor que pone en guardia a las conciencias en contra de la relatividad provocada por el tiempo y los conformismos.

Los Goya 2010

Conway — 2010-02-15T16:37:00+01:00

Con poco (casi nulo) lugar para las sorpresas, la gala de los Premios Goya de este año tuvo al menos un ritmo superior al de años anteriores gracias a la supresión de la publicidad y a un guión que se dejó de rodeos y fue casi siempre al grano. Buenafuente respondió a las expectativas, pese a ciertos gags poco lucidos, y las apariciones de Rosa María Sardá y Pedro Almodóvar dejaron un buen sabor de boca tras el maratón de premios que siempre terminan siendo este tipo de celebraciones.

Sobre los premiados, poco que se intuyera casi desde que se conocieran las candidaturas hace unas cuantas semanas. Que el gordo iba a ser para Celda 211 era algo asumido de forma casi general, después del consenso generalizado sobre la condición de menor, pese a su presupuesto, del Ágora amenabariano. Curioso resultaba que la, a mi juicio, mejor película de las cuatro candidatas al máximo galardón, El secreto de sus ojos, no apareciera destacada en las quinielas. A cambio, su triunfo en la categoría de cintas hispanoamericanas estaba cantado.

Con la cinta de Monzón tengo la sensación de que, oculta en un impecable envoltorio, un ritmo endiablado y unas actuaciones notables, se encuentra una película mucho peor de lo que nos han vendido. Hay “algo” indefinido en ella, la manera en la que va cayendo en la inverosimilitud, las trampas que hay que tragar a lo largo del metraje, que me dicen que no aguantará en próximos visionados. Y eso que salí del cine moderadamente satisfecho.

Y ahora, en formato breve.

Me gustó: el premio para Marta Etura. Por fin se reconoce el talento de una de las mejores actrices de su generación. Que la debutante Mar Coll ganara por la dirección de Tres días con la familia, ejemplo de gran cine realizado con medios muy limitados. La calidad de los cortos que competían en esta categoría, donde sobresalía el trabajo de animación La Dama y la Muerte, candidato también a los Oscar. Que Jorge Guerricaechevarría recogiera, junto a Daniel Monzón, su primer Goya como guionista. La recompensa de Raúl Arévalo por su composición en Gordos, película con buenas interpretaciones que mereció mejor suerte. El agradecimiento de los hijos de Antonio Mercero por el Goya Honorífico a su padre.

No me gustó: el aparente desconocimiento del término “revelación” que posee la Academia. Que Soledad Villamil (El mismo amor, la misma lluvia; No sos vos, soy yo) sea candidata y gane en este apartado es para que se lo hagan mirar. El eterno déjà vu de ciertas categorías, como la de mejor actriz, otra vez con Maribel Verdú nominada, otra vez con Penélope Cruz nominada... Que Slumdog Millonaire siga recogiendo premios a estas alturas de la película. Y, como siempre, que el hecho de entregar cerca de treinta premios impida que estas galas duren menos de dos horas y media largas. Y sin parar ni para mear, como diría Karpov.

Delphic - Acolyte

Urzainqui — 2010-02-14T14:38:00+01:00

En el último año hemos visto nacer propuestas musicales dentro del electro pop tan interesantes como La Roux, Little Boots o los que nos conciernen esta semana, el trío británico Delphic. Acolyte es su primer disco y ha sido bendecido por crítica y público internacional como uno de los mejores debuts del año.

Delphic reside en Manchester y nace de la unión de talentos de James Cook, Rick Boardman y Matt Cocksedge, fuertemente influenciados por la música electrónica de los 80 (principalmente New Order) y la que después haría gente como Chemical Brothers, Orbital o Underwold, han producido una mezcla amable de pop electrónico con raigambre en el dance y la electrónica.

Acolyte comienza más que bien con "Clarion Call", pista que recoge las mejores virtudes del trío, pop contundente pasado por el tamiz de la electrónica; el disco tiene sus luces y sus sombras y momentos en los que se pierde, principalmente por la pista que da nombre al álbum, un momento ambient ciertamente insulso que rompe la tónica del disco, cuyo punto fuerte es lo entretenido de su escucha.

A destacar, además de "Clarion Call", los momentos de "This momentary", "Counterpont", "Halcyon" y "Doubt", pistas que han sonado hasta en videojuegos y ciertamente carne de cañón para remezclas discotequeras y sonar en los pubs más de tendencias.

En definitiva, Acolyte es un disco bastante entrenido, para cuando apetezca escuchar electro pop de bella factura y etiqueta brit. Recomendable por sus tres o cuatro pistas más inspiradas, el resto no ofende y hace pasar un buen rato.

Te gustará si disfrutas de bandas como Hot Chip o Friendly Fires, y animales de similar pelaje musical.

Lo mejor es lo cercano que es su música y lo pronto que conecta, en seguida llega. Lo peor, pecados de juventud, pero hay alguna pista más que olvidable.

www.myspace.com/delphic

Miquel Barcel� en CaixaForum - Madrid

Paranoid — 2010-02-10T23:19:00+01:00

El centro de arte CaixaForum de Madrid acaba de inaugurar una muestra que recoge 180 obras de Miquel Barceló (Felanitx, Mallorca, 1957). La exposición busca ofrecer una perspectiva minuciosa de la vida artística de este autor multidisciplinar, para lo que acerca al público una multitud de obras sobre tela, papel y materiales escultóricos. Una de las estrellas de la retrospectivas es un elefante gigante que, apoyado sobre su trompa, saluda a los visitantes frente a la entrada del museo.

La muestra incluye creaciones realizadas por el mallorquín entre 1983 y 2009 y persigue, según los organizadores, mostrar “la ruta de su poética cruzando tiempos y espacios, obsesiones, materiales”, un camino profundamente marcado por los lugares del autor, sus edades y, sobre todo, la forma de enfrentarse a la soledad de su estudio.

Todo se organiza en torno a siete espacios que integran uno de esos puntos de visita imprescindible, la sala de exposiciones (aunque esta calificación se queda corta) CaixaForum de Madrid. El centro, de visita gratuita (al menos, yo nunca he pagado por entrar) y abierto todos los días, vale la pena tanto por su contenido como por su valor arquitectónico y sus alrededores.

Se trata de una antigua fábrica rehabilitada y suspendida sobre el suelo en la que el metal y el ladrillo son los principales protagonistas. Modernidad y tradición precedidas por un jardín vertical de varias plantas y una amplia entrada a menudo utilizada para abrir la boca de los asistentes. Y dentro, desde Renacimiento italiano hasta Chaplin, desde los etruscos hasta modernismo… una sucesión de exposiciones temporales caracterizadas tanto por la calidad de la selección como la idoneidad de su presentación.

Hay fecha tope, pero también tiempo hasta el 13 de junio para dejarse caer por ahí. No valen excusas.

The Magnetic Fields - Realism

Urzainqui — 2010-02-09T17:21:00+01:00

Stephin Merrit y compañía regresan con un disco en el que se alejan de los arreglos introducidos en I y de la barrera sónica tan propia de las producciones de Phil Spector que se marcaban en Distortion. Y como el título de cada disco viene a reflejar la esencia del álbum, en Realism disfrutamos del sonido más natural de la banda, con arreglos sacados del folk más clásico y siempre evitando artificialidades.

El noveno trabajo de la banda regresa a los paisajes creados en 69 Love songs aunque sin la brillantez de sus melodias aunque sí en la linea de sus mejores letras. Musicalmente es un disco directo, de corta duración y de 13 diez pistas fácilmente digeribles. Se nota que, aligerado de la carga de proyectos paralelos, Stephin ha emprendido una pequeña vuelta a los orígenes.

Realism sigue el esquema de los discos de Magnetic en los que se alternan las voces de sus miembros, siendo las pistas más memorables la festividad que desprende "We Are Having A Hootenanny", la magnética "I Don\'t Know What To Say" y la bucólica "Seduced and abandoned" en los que la banda aúna la contención de su sonido con lo directo de su mensaje. Un disco más que aceptable de esa mezcla de pop y folk que tan bien saben hacer.

Sin ser este el mejor disco que tienen, hay que reconocer que es una banda que ha volado muy alto, no desmerece a los anteriores y quizá a los más inmovilistas de sus fans les hará más gracia que los que disfrutan con sus experimentos sonoros.

Lo mejor, que sigan haciendo discos conceptuales tan interesantes. Lo peor, Realism es un disco que no molesta en su escucha y como tal bien puede no llamar la atención ni para bien ni para mal, quizá por momentos anodino.

Para amantes de la independencia y virtuosismos del Sr. Merrit, abstenerse amantes de sonidos atronadores.

La casita de Stephin en la red: www.houseoftomorrow.com

Orgullo y prejuicio y zombis

Conway — 2010-02-08T16:56:00+01:00

Directores como Jacques Tourneur ya se habían acercado a estas criaturas, pero fue el maestro George A. Romero quien, en 1968, escribió las normas que prevalecen todavía hoy. La noche de los muertes vivientes es la Biblia en la que se han basado las innumerables copias, secuelas, adaptaciones y homenajes posteriores. Sin hacer grandes alardes de memoria encontramos en los últimos años Amanecer de los muertos, Shaun of the Dead, Dead Set, 28 días después (aunque, como muy bien precisaba Enjuto Mojamuto, aquí no aparecen zombis, sino infectados) o Zombieland.

La literatura también ha sacado partido de un género que, pese a basarse en unos seres de comportamiento más bien limitado, sabe encontrar en todo lo que generan a su alrededor (mundos postapocalípticos, personajes al límite o paranoias conspiratorias) argumentos para que el interés no decaiga. Ahí tenemos todo un acontecimiento patrio como Apocalipsis Z, de Manuel Loureiro, para confirmarlo.

Pero al lío, que me pierdo. Y el lío es una nueva veta que ha comenzado a explotarse en este fértil terreno y que garantiza sesiones de carcajadas e incredulidad. Seth Grahame-Smith ha sido el espabilado escritor que ha inaugurado una nueva corriente que consiste en revisar clásicos de la literatura añadiendo por el camino un buen puñado de muertos recién salidos de sus tumbas. En Orgullo y prejuicio y zombis hace suya la historia de Jane Austen para, casi sin salirse del original, imprimirle un tono que bascula entre el delirio y el surrealismo.

Nos encontramos, de esta forma, con el relato del amor entre Elizabeth Bennet y el señor Darcy en el rígido escenario de la Inglaterra decimonónica que sigue paso a paso la estructura de la novela de Austen, aunque con matices. Como que las cinco hermanas Bennet posean una exquisita formación de combate y empleen sus habilidades ninja para combatir la plaga de “innombrables” que sufre el territorio. O las luchas a muerte (literales) que protagonizan con quienes pretenden entorpecer sus planes de matrimonio.

El original planteamiento del libro no esconde problemas como el encorsetamiento que se autoimpone el autor por no abandonar en ningún momento el modelo original. Está muy bien mezclar bailes de gala con ataques de zombis ávidos de cerebros, o cadáveres putrefactos que son arrollados por elegantes calesas, pero en demasiadas ocasiones se echa de menos un mayor atrevimiento para alejarse del primer Orgullo y prejuicio, más allá de lo que suponen estas desquiciadas y muy reconfortantes píldoras.

De cualquir forma, la idea de Grahame-Smith ha cuajado y el éxito de la novela ha venido acompañado por el anuncio de una adaptación cinematográfica con Natalie Portman en el papel principal, además de un rosario de proyectos con un corte parecido. Sentido y sensibilidad y monstruos marinos es sólo el primer ejemplo.

Entrevista con Dinero

Paranoid — 2010-02-04T23:11:00+01:00

Esperan en un clásico, la Sala Costello. Están en la parte de dentro, tirados sobre las colchonetas con un aire roquero, despistado y desenfadado. Durante una hora, charlamos largo y tendido sobre música, recomendaciones, la industria, su día a día y alguna que otra interrupción. De todo aquello, de un encuentro caracterizado por el buen rollo y la simpatía, sale lo escrito a continuación y muchas, muchas más cosas. Dinero en Mandarina Magazine.

¿Por qué Dinero?

Nosotros llevamos tres años aquí, en Madrid, desde que decidimos darlo todo por la música, venir aquí a ensayar, hacer la gran apuesta por la música. Sabíamos que íbamos a pasarlas un poco canutas con el tema del dinero y con todo, tocar, trabajar a la vez… El nombre alude un poco a eso y también tiene un sentido provocativo, antes incluso que la crisis. La explicación bonita también está ahí. El dinero es muchas veces lo que impide a la gente hacer lo que quiere. En vez de ser una ayuda, la falta de dinero es un obstáculo, y con el grupo intentamos que la gente se olvide de todo eso y que le dé un significado totalmente distinto.

Las veces que he escuchado vuestro disco debut, Dinero, he tenido el “problema” de llevar vuestras canciones todo el día en la cabeza. ¿Sois conscientes de lo pegadizas que son? ¿Es algo buscado?

Salió porque lo hacemos así. No buscamos nada a la hora de hacer las canciones, salen así, de nuestras influencias. A mitad del 2007 llegó una reestructuración de la banda, realmente volvió a nacer, y nos dimos cuenta de que nos habíamos juntado tres músicos con las mismas influencias, el rock alternativo de los 90 en todos los niveles, desde el más alternativo al más cañero y un poco la música bailable de ahora. Pensamos que el poder de una canción está en la melodía y lo que hacemos es darle un soporte muy cañero y muy intenso. Es lo que nos ha salido y lo que hemos potenciado, ser como el clásico grupo noventero, grandes estribillos melódicos y pegadizos con los instrumentos un poco más abajo, aunque con nosotros es todo arriba. Así, bromeando, nos dijeron que somos independientemente pegadizo. Es una buena forma de que la gente se quede con todo esto aunque no hasta el punto de que no puedas quitártelo de la cabeza.

La mayoría de vuestras letras transmiten un mensaje tan personal como universal. A todos nos pueden pasar las cosas que contáis. ¿Os miráis a vosotros mismos para escribirlas?

Son un poco autobiográficas y hablan del momento en el que hemos grabado el disco. Después de tanto trabajar y tanto grabar nos queda muy poco tiempo para otras cosas, y lo que plasmamos son relaciones personales, amor y desamor, salir, diversión, pequeñas reflexiones a las cuatro de la mañana… Letras muy directas, sinceras, que la gente las pueda entender y se sienta identificada. Queremos que sea un elemento comunicativo. Para nosotros, lo importante de las canciones está en la intensidad y la melodía. Las letras hacen que en el directo tengamos ese punto de más para llegar a la gente directamente, que a una persona que escucha la letra por primera vez en directo ya le pueda transmitir algo y hacerla suya. No queremos jeroglíficos. Buscamos que sean fáciles de asimilar, sin metáforas excesivas.

¿Cómo definís vuestra música?

Coges el rock anglosajón, tanto inglés como americano, de los últimos veinte años en todas sus vertientes, sin ser demasiado pop y sin ser demasiado heavy, haces una mezcla de todo eso y nos tienes a nosotros. Nos acercamos al grunge y al power pop de los noventa, todo lo cercano a lo cañero sin ser metal. De los 2000, al revival más garajero y bailable, pero haciéndolo en castellano, que creo que es nuestra principal apuesta. En vez de intentar imitar a los de fuera, lo hemos intentado nacionalizar.

En alguna de estas charlas entre ensayo y ensayo, seguro que habéis hablado de sueños comunes como grupo. ¿Nos los desveláis?

Desde el principio, este proyecto ha tenido los pies en la tierra. Desde que empezamos a tocar, cada uno de nosotros hemos sabido por qué estábamos en un grupo, por qué estábamos tocando y queríamos llegar lo más lejos posible, pero paso a paso. Hemos estado mucho tiempo trabajando en el local, hemos esperado al momento adecuando y hemos tenido casi 50 canciones para grabar el disco. Ahora sabemos que tenemos que hacer gira y, junto a Tricornio Producciones, que es la gente que nos apoya y se ocupa de todo lo que no nos podemos ocupar nosotros, nos gustaría que fuera un proyecto a largo plazo, sin un límite a la vista. Simplemente con poder tocar, con tener reconocimiento, dar conciertos y vivir de esto nos conformaríamos. Esto sería lo más razonable a la hora de pensar en nuestro futuro.

Y en este futuro próximo, que os parece si os dicen que podéis compartir escenario con Karmele Marchante…

Esto no va a ocurrir, pero si pasa tiene que haber un montón de pasta de por medio. En serio, por Karmele lo hacemos gratis, y encima seríamos su banda. Con tal de aparecer por Eurovisión... pero, ¿Quién es Karmele (pregunta Sean)?

Siguiendo con la pregunta anterior, ¿qué sería para vosotros triunfar?

Pagar las facturas. Seguir grabando discos indefinidamente y que el apoyo de la gente sea el suficiente para que nosotros podamos seguir grabando y tocando. Que de manera natural no tengamos que hacer nada más que música. Esta es la ilusión, no tener que depender de segundos trabajos. Esto es algo que consume mucho tiempo y esfuerzo y si sueñas con dedicarte a pleno rendimiento a la música, hay que hacerlo en exclusiva. Ahora sacamos fuerzas de dónde no hay, pero nos imaginamos el día que podamos irnos al local a las 10 de la mañana, estar allí tus horas, poder cuidar tus instrumentos como se merecen

Pregunta ya clásica. Navegando por la web os encontráis con vuestro disco al alcance de todos. ¿Aplaudís y le pasáis el enlace a todo el mundo o llamáis a Ramoncín para que os asesore?

El disco lo hemos puesto nosotros, ya. Está en el Emule, en Rapidshare, en Megaupload y en todos los sitios. También en MySpace, Spotify, Herzio… Lo que queremos es que se escuche. No creemos en el modelo antiguo, ese que ahora está temblando. Creemos en el modelo iniciado por bandas como Vetusta Morla y que ahora permiten las tecnologías: que la gente acceda a nuestra música de forma gratuita. El disco ahora mismo es como una pieza más de merchandising, como una camiseta, una chapa… Que hagan lo que quieran con el CD. Lo que pedimos es que vengan a los conciertos. El público sigue llenando las salas, y es lo que deseamos, no que paguen por la música. En los directos se trata directamente con la gente. Si cualquier persona tiene que elegir entre comprarse el disco o ir al concierto, que se lo baje y venga a vernos. La nueva manera de hacer las cosas está afectando a todos los intermediarios que sacaban algo de la música sin tener nada que ver. Ahora el aficionado accede casi directamente al músico o al sello propio del músico. Todos aquellos intermediarios están armando la que están armando por que se les cae el sistema.

Dos preguntas de entrevista de trabajo. ¿Dónde os veis de aquí a tres años?

Bufff, tres años es mucho tiempo. Estaremos girando con el segundo disco. O casi. Aquí sentados, en el Costello, contigo, y charlando de lo que será nuestro segundo disco. Luego nos apuntamos la fecha para que no se nos venga encima…

La segunda. Una que es real. ¿Sois felices?

Lo estamos pasando putas pero sí, somos felices. Llegar al local, poner el volumen al máximo, llegar al escenario y tocar la primera nota… Son las cosas que nos alegran.

Ya la última, para los que nos aburre la música que tenemos. ¿Alguna recomendación?

Them Crooked Vultures, Boy Kill Boy, Amusement Parks on Fire (a punto de sacar el tercer disco), un clásico como Motorhead... Somos un poco nostálgicos y nos cuesta encontrar cosas que nos gusten hoy en día, es la verdad, pero algunos hay.

Echo and the Bunnymen - The Fountain

Urzainqui — 2010-02-02T21:41:00+01:00

Pocas bandas han sabido envejecer tan bien como los de Liverpool. Echo and the Bunnymen regresan tras un paréntesis de cuatro años con un disco que no desmerece en nada a sus mejores trabajos. The Fountain es un disco absolútamente maravilloso con algunas de las mejores canciones del año pasado y de este. Imprescindible es poco.

Echo and the Bunnymen es una banda mágica, desde sus inicios haciendo punk rock oscuro hasta su última reinvención nos ha regalado canciones tan maravillosas como "Killing Moon", "The cutter", "Nothing ever last forever" y muchas otras (sería imposible citar todas). Cuando otros se sientan a vivir de las rentas, Ian McCulloch y Will Sergeant siguen regalándonos auténticas joyas musicales.

The Fountain enlaza con el sonido del Flowers y dispara hit tras hit, hasta llegar a diez, pistas sin ningún desperdicio en las que sobresalen la canción con la que abren "I think I need it too", "The proxy" o la preciosa "Forgotten fields".

The Fountain es uno de esos discos que da gusto oir, con canciones que se mueven entre la épica más romántica marca de la casa hasta las pistas más pegadizas que han producido en treinta años. Si alguna vez has disfrutado de la banda, acércate; si por casualidad no los conoces, este es el momento. Uno de los mejores discos del 2009.

Lo mejor, tras tanto tiempo siguen enamorándonos y creando escuela. Lo peor, nada, un tesoro hecho música.

Esperemos que este año vengan a defenderlo en directo y a tocar sus éxitos de toda la vida, os esperamos chicos con los brazos abiertos.

(eso me dicen todas): www.bunnymen.com

Juventud americana - Phil LaMarche

Conway — 2010-02-01T09:18:00+01:00

En los agradecimientos que aparecen al final de su primera novela, el norteamericano Phil LaMarche menciona al escritor Tobias Wolff, el autor de Vida de este chico o de En el ejército del faraón. La referencia no es irrelevante, puesto que a lo largo de todo el libro sobrevuela no sólo el recuerdo de este nombre, esencial para entender buena parte de las letras USA de las últimas tres décadas, sino el de otros muchos, como Russell Banks o hasta Raymond Carver, con lazos sólidos a la literatura de Wolff y, ahora, también de LaMarche.

Con Juventud americana este profesor en la Universidad de Syracuse ha acertado de pleno en su diagnóstico de muchos de los males que condenan a los jóvenes de su país. La novela arranca con la muerte accidental de un chaval a manos de su hermano con el arma de un tercer amigo, protagonista absoluto de la historia. Para Teddy su descenso a los infiernos no hace sino comenzar. Convencido por su familia para negar su responsabilidad en el fatal incidente, su anodina vida de estudiante de instituto en una deprimida región de New Hampshire cobra un rumbo impredecible.

Sobre todo cuando los únicos apoyos que parece encontrar son los miembros de Juventud americana, un grupo que amalgama en su ideología valores profundamente conservadores y actitudes filofascistas. Incapaz de poner fin a la serie de consecuencias que provoca con sus inconscientes acciones, se dirige hacia un final con pocas salidas hacia la esperanza.

Con una narrativa ágil y concisa, LaMarche conduce al lector con verosimilitud por la angustia adolescente, la rabia, la frustración y el desamparo que padece su protagonista.

Javier Cercas - Anatom�a de un Instante

Paranoid — 2010-01-26T20:59:00+01:00

Poco se puede decir ya de Anatomía de un Instante, la última obra de Javier Cercas. Además de reconocimientos como el otorgado por 50 expertos en Babelia, Mejor Libro de 2009 según el suplemento, el trabajo ha recibido críticas positivas tanto por parte e los expertos como de los lectores, algo en ocasiones difícil de aunar. Algunos meses después de leerlo y tras seguir en lo posible su presencia en los medios, no puedo hacer otra cosa que coincidir con la mayoría: este ensayo se ha convertido en una lectura obligada.

El prólogo incluido por el autor, uno de estos “clásicos de nuestros tiempos”, funciona por sí mismo como el mejor aval, la mejor recomendación que cualquier lector puede encontrar para atreverse o no con un texto a priori bastante denso. En este pequeño texto introductorio, Cercas confiesa cómo el 23 de febrero de 2006 un periódico italiano le solicita un artículo sobre el golpe de Estado sucedido 25 años antes, lo que le lleva a enfrascarse en una novela sobre el hecho. Tiempo más tarde, tras releer el primer borrador de la obra, el escritor analiza lo narrado y decide comenzar de nuevo, esta vez en forma de ensayo, para contar lo ocurrido desde un prisma diferente. Las reflexiones que le obligan a tomar la decisión se encuentran plasmadas en este prólogo. No sé si convencen más las propias razones o la honestidad y el estilo mostrados por el autor en estas líneas…

Anatomía de un Instante parte de una imagen, la de Adolfo Suárez solitario en su escaño y sin tirarse al suelo, para ofrecer una visión clarificadora de lo que sucedió durante el acontecimiento histórico, su preparación y algunas de sus consecuencias posteriores. En esta última obra, Javier Cercas se pone el traje de historiador y otorga validez o refuta, detalle a detalle, las principales teorías acerca del 23-F que hasta la actualidad han aparecido, sean estas o no coincidentes con las versiones oficiales emanadas del juicio celebrado meses después del secuestro del Congreso.

Tras disfrutar de este ensayo, porque no hay duda de que se disfruta, el lector se dará cuenta de que Cercas va mucho más allá. Su análisis no deja ningún aspecto en la sombra y desgrana tanto los hechos en sí como las conspiraciones, los pasos seguidos durante la organización del golpe y su desenlace, las tribulaciones padecidas por Suárez, la pérdida total de confianza de los líderes de la época, el papel del rey (su papel real), la reacción de la población...

Todo esto (y mucho más, como dirían en alguna teletienda), con valentía y juicio crítico del que no se salva ni él mismo (ver, de nuevo, el prólogo). Está claro, y así se percibe desde el comienzo del documento, que Javier Cercas no refleja situaciones ni opiniones edulcoradas. Es probable que algunos, famosos y anónimos, sientan contrariedad o vergüenza ante su reacción durante las horas en las que el destino de España estuvo en jaque, por mucho que se clasifique dentro de la normalidad o de lo que hizo la mayoría. Se trata de uno de los principales valores de Anatomía de un Instante, su huída de los absolutismos y de las convenciones aceptadas hasta la fecha.

En Anatomía de un Instante se defienden muchas ideas, pero una me resulta interesante por encima del resto. En el 23-F no hubo héroes integrales ni villanos totales, ni políticos ejemplarmente responsables ni un pueblo que se echara a las calles. A pesar de las imágenes televisivas (que también reciben párrafos y párrafos durante el texto), el golpe de Estado no formó parte de una película. Esta fue una realidad provocada por decisiones humanas y a la que respondieron decisiones humanas. De ahí las imperfecciones habidas en todos los bandos.

A todo esto, no hace falta recordar aquí el personalismo de la escritura de Cercas, su peculiar forma de contar las cosas, su particular utilización de dos conceptos fundamentales como el contenido y la forma. En suma, su calidad como narrador, sea cual sea el formato en el que se proponga narrar.